Este martes han abierto las instalaciones del Festival Flora 2022 en Córdoba. Las propuestas de los artistas participantes en este festival de las flores de la ciudad ya pueden ser visitadas. A pesar de la lluvia, se han formado colas en muchas de ellas, síntoma del aliciente que este evento ha logrado.
A continuación, puedes conocer más sobre los artistas participantes y sus obras:
Cordero Atelier (Palacio de Viana)
La obra de Cordero Atelier (Sara Uriarte, España 1989) se expone en el Palacio de Viana y lleva el título de El camino a través del camino. En esta obra, Cordero Atelier cuenta una historia: Como mandan los cánones del jardín andalusí, la vegetación que normalmente adorna este Patio de las Columnas se presenta de forma ordenada, regular, previsible. Pero algo extraño ha ocurrido en Fkira: el patio se ha transformado en un paisaje futurista, ideal, quimérico, fantástico y lleno de color, fruto de supuestos cambios estructurales y fisiológicos. Cordero Atelier se inspira en el micelio —esa red formada por billones de ramificaciones que comunica plantas, flores y árboles bajo tierra y que permite la vida en sociedad— para hacernos caminar por un lugar imposible. Más que una instalación artística, lo que aquí encontramos es una presencia invasora que, de manera silenciosa y bella, parece venir a recuperar su espacio. Según la artista, «en El camino a través del camino el micelio regenera la vida, permite que este ecosistema viva eternamente y es capaz de revitalizarlo una y otra vez hasta alcanzar el paisaje del futuro. No es, por lo tanto, un ornamento. Es una presencia con mucho que contar. Cada flor que emana de estas protuberancias se suma al conjunto y cobra fuerza y significado, logrando crear un mensaje común, una fuerza nueva, generosa, que se comunica y complementa.». En la instalación, suena la música de Chico Trópico.
¿Qué materiales emplea?: Flores y plantas: allium, Anigozanthos, musgo bola, brunia, crisantemo, musgo finlandés, limonium, micelio, nerine, Ozothamnus diosmifolius, musgo Zilvermos. Además, utiliza acero y hierro
Sobre Sara Uriarte se puede decir que es, por varias razones, una rara avis en el mundo del arte floral, como lo es el propio Flora 2022. Tras el estudio creativo que capitanea –Cordero Atelier, dedicado a la dirección de arte con una mirada particular e inquieta sobre el arte floral– se encuentra la pasión de Sara por las flores, algo que no empezó en un jardín, sino en el laboratorio: farmacéutica de formación, aprendió pronto que toda característica que identifica a una especie está dotada de una función específica y perfecta dentro de un entorno. Tras años analizando plantas, pasó a trabajar con ellas para expresarse, emocionar, comunicar ideas o conectar con otras personas. Hoy es una de las artistas florales más interesantes del panorama español, reclamada constantemente por marcas como Hermès, Loewe, Narciso Rodríguez o Kenzo. En los proyectos de Cordero Atelier hay también una fuerte inclinación hacia la arquitectura y lo escultórico. El estudio de formas y estructuras sorprendentes es una constante en sus trabajos, en los que la botánica juega a crear un ecosistema donde cada elemento cumple su papel, en un aparente desorden. Y es que, a Cordero Atelier, a diferencia de la gran mayoría de floristas, le importa más “la masa” que la silueta de cada flor y tallo. Lo explica la propia Sara Uriarte al exponer cómo entiende el arte floral: “Una masa enérgica que suma fuerza y significado, que irrumpe con autoridad propia, que fascina y desconcierta y que incluso ejerce de invasora, reclamando así el espacio robado a la naturaleza”. Un acercamiento sin duda diferente al universo botánico.
Emma Weaver (Diputación)
Emma Weaver (Palais 1989) expone Liminar, así se llama su obra, en el patio del reloj de la Diputación.
Liminares son esos espacios que nos hacen dudar si nos encontramos en un lugar o en otro, comenzando o terminando algo: la adolescencia, una frontera, la enfermedad. ¿Es un campo de lirios y un estanque lo que vemos, o una fuente en medio de un patio? La artista plantea una instalación que funciona en constante cambio: un viaje, no un destino. Convencida de las múltiples lecturas de una obra de arte, sus visitantes dudarán sobre el mejor lugar para mirar… Al igual que el lirio, antaño símbolo de realeza (por ello adorna los muros del Patio del Reloj) y en la actualidad considerada por muchos como una flor pasada de moda, Weaver nos hace replantearnos quién y cómo se decide la idea de «buen gusto». Y aún hay otra frontera en este espacio: la que supone el propio patio, entre el bullicio de la calle y las instituciones públicas.
Según Weaver, su obra "invita a la mirada voyeurista, a través de espejos mecanizados y lentes de cristal distorsionado incrustadas en las superficies. Con estos elementos pretendo burlarme de los supuestos del gusto, a menudo estáticos, y desafiar al espectador a cuestionar las creencias y actitudes hegemónicas que dominan la vida cotidiana.»
Los materiales que emplea son Lilium Santarello, Lilium Zelmira, además de vidrio, madera, metacrilato espejo
De Emma Weaver se puede decir que se define a sí misma como una escultora que trabaja en esa particular intersección entre la horticultura, el diseño de espacios y el arte floral. Educada en la Central Saint Martins de Londres, una de las escuelas de artes más conocidas del mundo, en su mochila de conocimientos lleva también la escenografía y la moda. Todo ese pasado acabó llevándola hasta un elemento clave en todos sus trabajos, las flores, a las que se acerca de una manera muy personal. Inconformista, poco ortodoxa y fanática del “más es más”, en sus instalaciones florales todo choca –los colores, las texturas, la escala–, pero siempre con una intención. “Muchas de las cosas que se hacen en floristería y horticultura me parecen grotescas”, dice la inglesa, “una práctica basada en el control y la manipulación. Antropomorfizamos la naturaleza, imponiendo nuestro propio gusto. La exploración de esto es parte central de mi trabajo”. Suspense, equilibrio, tensión y humor bien podrían ser las palabras que definen sus creaciones, que podríamos ubicar en un terreno resbaladizo entre el barroco y el punk.
Kokon (Palacio de Orive)
María Eugenia Diego es Kokon (Zamora 1989) y expone su obra en el Palacio de Orive y se titula Ovidio.
En Ovidio, se plantea la siguiente cuestión: La belleza nos puede enseñar a mirar de otro modo los elementos más cotidianos, como el sencillo esparto. La habitual blancura del patio del Palacio de Orive se ha convertido en una metamorfosis de color que nos hace dudar de lo que vemos. ¿Quiénes son esas criaturas que intuimos a través del misterioso filtro? ¿Resquicios de un paisaje? ¿Enormes animales en reposo? ¿O acaso masas vegetales transmutadas en animal? Con las Metamorfosis de Ovidio en la memoria, Kokon propone al público dejarse guiar por una mezcla de intuición, confusión y curiosidad para entender esta nueva y efímera arquitectura. Según la artista, "pretendo hablar / de formas cambiadas / en nuevas entidades”. Así comenzaba el poeta latino Ovidio las Metamorfosis, y así llena el patio. Muta el marmoleado espacio, torna en otra la percepción de lo que allí ocurre, así como de las entidades florales… (¿o no?) que han venido a ocupar Orive». En su obra, utiliza esparto, Mush Sponge, Plumilha, Stipa Tenasissima, junto con hierro, policarbonato, vinilo, niebla
Kokon es el proyecto personal de la artista María Eugenia Diego, con el que nos hace replantearnos a través de sus trabajos cómo nos relacionamos los seres humanos con lo bello y la naturaleza: “Son parte inherente a nuestro ser, nos hacen mucho bien y mucha falta”, como cuenta ella misma, “especialmente en las ciudades”. Para ello, eleva el uso de lo vegetal a la creación de espacios, para una mayor conexión y experiencia con el espectador. No es casual que María Eugenia Diego sea arquitecta: su dominio y preocupación sobre los lugares en los que interviene es evidente. Gusta Kokon a menudo de trabajar con elementos naturales poco comunes en los arreglos florales clásicos, más cercanos a la producción textil o a la artesanía, como pueden ser el lino o el esparto. Con precisión y delicadeza, la artista logra resultados exquisitos partiendo de materiales en apariencia rudos. Tras años trabajando como arquitecta en diversos estudios, en 2018 Diego dio un giro radical a su trayectoria, adentrándose en el mundo del diseño floral. Un año y medio en LOEWE Flores y una pandemia fueron el caldo de cultivo ideal para la creación de su propio sello, KOKON, con el que ha ganado la convocatoria Patio Talento 2022 de Flora.
Maurice Harris (Museo Arqueológico)
Maurice Harris (California 1981) expone Una perspectiva de color en el Museo Arqueológico.
El carisma expansivo y vital de Maurice Harris se traslada a sus obras, como podemos vivir en este patio del Museo Arqueológico, convertido en una (casi) literal explosión de color. Curioso por naturaleza, Harris quiere explorar en esta instalación dos ideas. Por un lado, las conexiones de la teoría del color y la luz con el concepto de raza: el negro absorbe la luz, el blanco la rechaza y, en ese juego, entra como un torrente la fuerza del arcoíris. Por otro, el artista estadounidense nos llama la atención sobre la inutilidad de tratar de dominar la naturaleza: esta siempre encuentra la manera de hacernos recordar su supremacía. No te fíes de la aparente ingenuidad de un festín de colores: la invasión ha comenzado.
Según el artista, en su obra propone «una gran caja negra absorbe la luz en el centro del patio. De ella salen rayos de colores florales. Una metamorfosis en la que, a partir de la oscuridad, surge toda esa vida de tonalidades alegres que es, a la vez, la historia de la negritud y la historia del triunfo de la naturaleza.» Para crear ese espacio, utiliza Anthurium, clavel, esparreguera, Monstera, Muehlembeckia, palmas. También, acero, hierro y cristal.
Maurice Harris es una estrella, en todos los buenos sentidos de la palabra. No solo por su cartera de clientes, que incluye algunos de los nombres más importantes de Hollywood, así como marcas de primer nivel como Louis Vuitton, Opening Ceremony, Dior, Nike, Gucci, The Row, Valentino o Dolce & Gabbana. No solo porque sus trabajos hayan aparecido en Vogue, W Magazine, LA Times, Hollywood Reporter, NY Times o AD, ni porque sus creaciones se extiendan más allás del arte floral: puedes ver sus fotografías en el Instituto de Arte de San Diego o asistir a una de sus performances en el Broad. Harris posee ese tipo de carisma y fuerza característicos de las estrellas, algo que sabe contagiar en cada una de sus creaciones, que suelen destacarse por ser una explosión de color y exceso. El sentido del humor, la artesanía y su dedicación a comunidades a menudo marginadas como la afroamericana y la LGTBI acompañan la forma y el fondo de sus obras. Desde su estudio Bloom & Plume, en pleno Echo Park, uno de los barrios más vivos de Los Ángeles, Harris mezcla la belleza con el compromiso social. También en sus apariciones televisivas: últimamente se le puede ver en su programa de televisión estadounidense Centerpiece y en el reality Full Bloom, de HBOMax.
Yuji Kobaysahi (Patio de los Naranjos)
Yuji Kokayashi (Japón, 1963) presenta Círculo de la Vida en el Patio de los Naranjos de la Mezquita-Catedral.
Cuando Yuji Kobayashi visitó el Patio de los Naranjos, el pasado verano, vio por encima de todo una cosa: agua. Subterránea en los aljibes. Superficial en las acequias. Embellecida en la fuente barroca de Santa María. Elemento clave en el rito católico y en el musulmán. Y, sobre todo, fuente de vida. El artista japonés ha querido representar el ciclo de la vida con una propuesta estética radical que dialoga con la torre de la Mezquita-Catedral. Con su inconfundible estilo, donde la línea recta se enfrenta a las habituales formas curvas de la naturaleza, Kobayashi lanza una llamada de atención hacia los peligros de interrumpir el ciclo vital de la Tierra. «Visité Córdoba y me detuve en este patio. Sentí que esta fuente era el origen mismo de la vida, y que necesitaba representar una exuberante "colaboración entre el agua y las plantas". Debemos entender la relación entre los seres humanos y la naturaleza de un modo más esencial, y pensar en cómo ponerlo en práctica, de cara a los próximos cien años.», afirma Kobayashi. En su obra, ha empleado aloe vera, gloriosas, ruscus junto a caucho, hierro y acero.
Una de las características ineludibles de todo gran artista es lograr un estilo personal: Yuji Kobayashi, con su radical aproximación a las flores y las plantas, lo encontró hace tiempo. Pocos creadores florales pueden presumir de ser tan fácilmente reconocibles como el japonés, con ese “verde geométrico” que le obsesiona y da nombre a su estudio: Geometric Green. Kobayashi proyecta en su imaginación formas imposibles para la naturaleza, y consigue hacerlas realidad gracias a un trabajo de diseño y arquitectura sorprendente y meticuloso. Sus creaciones no se funden con el espacio que las rodea: juegan con él desde el contraste y el particular diálogo que establecen la línea recta con la curva, la simetría con la aleatoriedad. Él mismo ha declarado que le inspira más la arquitectura que la floristería tradicional. Cualquiera de sus trabajos lo corrobora. Veintinueve años lleva Yuji Kobayashi buscando formas de mejorar y embellecer los diseños florales. Tras una breve carrera musical, el artista decidió formarse en el mundo de las flores, y lo hizo de manera autodidacta, un detalle que llama la atención en alguien que ha participado como invitado especial en centros educativos como Cohim (Pekín), una de las escuelas florales más respetadas en el mundo. Además, la decoración floral de los mejores hoteles japoneses (Park Hyatt Tokio, Hyatt Regency Hakone, Hyatt Regency Seragaki Okinawa) lleva su firma, así como numerosos trabajos realizados para Chanel, Dior, Giorgio Armani, Louis Vuitton, Baccarat, Wedgwood y muchas otras marcas.
